Pablo Picasso fue un pintor, escultor y grabador español. Es uno de los artistas más reconocidos del siglo XX. Ha tenido una influencia indeleble en la cultura popular y el arte moderno.
El estilo artístico de Picasso cambió a lo largo de su carrera, pero siempre mantuvo una visión única de la condición humana que ningún otro pintor podría igualar.
El estilo artístico de Pablo Picasso se caracterizó por superficies grandes, coloridas y proporciones distorsionadas en sus pinturas. Su trabajo ha sido considerado revolucionario porque sus diversas técnicas desafiaron los conceptos tradicionales de cómo deberían ser las pinturas.
Su estilo es conocido por el uso de líneas contorneadas y atrevidas. A menudo fusionó lo representativo y lo abstracto, uno encima del otro.
Picasso fue un pionero del movimiento cubista que exploró la importancia de las formas geométricas en el contexto de la pintura. Esta técnica ha sido y sigue siendo utilizada por muchos artistas hoy en día que quieren enfatizar la funcionalidad sobre la belleza.
Las pinturas más famosas de Pablo Picasso
1. Guernica
Picasso se vio profundamente afectado por los horrores de la Guerra Civil española, que había comenzado el 17 de julio de 1936 cuando el general Francisco Franco encabezó un golpe militar contra la República española.
Siete meses después, las tropas de Franco tenían el control total del país. Después de visitar Barcelona en octubre de 1936 y presenciar la destrucción generalizada de los intensos combates, Picasso le dijo a su amigo Joan Miró que quería hacer algo para mostrar su enojo.
Más tarde escribió: «Voy a pintar algo increíblemente enorme. Lo haré con toda mi rabia». Comenzó a hacer bocetos para la pintura el 2 de diciembre de 1936.
Guernica ha sido descrita como la creación más poderosa del artista y una de sus pocas obras a una escala verdaderamente épica.
La pintura fue creada en respuesta al bombardeo de Guernica, una ciudad del País Vasco en el norte de España, por aviones alemanes comandados por el general Franco durante la Guerra Civil española. Representa la tragedia y el sufrimiento de la guerra con un poder asombroso.
La pintura fue terminada por Picasso en 1937 y ha sido considerada una de sus obras más famosas. Representa los horrores de la guerra, incluida la violencia y la muerte.
La pintura no representa ninguna batalla o evento específico, sino todos los eventos que ocurrieron durante la guerra.
2. Los tres músicos
Tres músicos es el título de dos obras de collage y óleo de Picasso. Ambos se terminaron en 1921 en Fontainebleau, Francia, cerca de París, y son excelentes ejemplos del estilo cubista sintético.
Cada obra de arte representa a un Arlequín, un Pierrot y un monje, que se dice que son Picasso, Guillaume Apollinaire y Max Jacob, respectivamente.
El Arlequín que toca la guitarra en el medio es un sustituto recurrente del propio Picasso a lo largo de su obra. Pierrot y Harlequin son figuras estándar del antiguo teatro de comedia italiano conocido como Commedia dell’Arte, que es un tema recurrente en la obra de Picasso.
Los tres musicos parece ser un collage creado a partir de trozos de papel de colores recortados, a pesar de que es una pintura al óleo. Las formas se reducen a patrones angulares que se entrelazan como rompecabezas.
Tres músicos es parte de un cambio importante en la obra de Picasso que ocurrió después de 1914. Picasso creó solo unos pocos collages después de 1914. En su lugar, utilizó técnicas cubistas en el medio convencional de óleo sobre lienzo, lo que le permitió producir obras considerablemente más grandes y coloridas. .
Esta nueva técnica tenía una gran ventaja: las pinturas al óleo se podían vender a precios mucho más altos que los collages.
3. Ma Jolie
La pintura de 1911 de Picasso, Ma Jolie, retrata abiertamente a su novia, Marcelle Humbert.
Picasso afirmó que Ma Jolie, que significa «mi hermosa», era una referencia a una famosa canción de music-hall de la época, pero el significado real se mantuvo oculto, conocido solo por aquellos cercanos a su círculo de conocidos.
A medida que la imagen principal se desvanece en las profundidades de superficies abstractas y pequeños detalles, las formas irregulares, tonos oscuros y salobres parecen comunicar un mensaje más profundo.
La figura de Marcelle Humbert está construida al azar utilizando los planos cambiantes característicos del cubismo analítico.
Las seis cuerdas en el medio de la imagen son una referencia a la guitarra, mientras que el triángulo de la derecha parece representar el codo de la mujer.
4. Las señoritas de Avignon
Está considerada la primera obra de arte cubista. Es una pintura creada por Pablo Picasso en 1907. La pintura fue creada durante el apogeo de su período formativo del cubismo y es una de las piezas más importantes de la historia del arte moderno.
Picasso llegó a París en un momento en el que había muchos artistas que creaban estilos de obras de arte nuevos e innovadores. Para Picasso, esto significaba que aún no estaba encasillado en un estilo y podía explorar muchas vías sin mucha preocupación por parte de los críticos u otros artistas.
Esta libertad le dio espacio para explorar su creatividad y experimentar con diferentes técnicas y métodos sin sentirse presionado a ajustarse a lo que otros estaban haciendo en ese momento.
La pintura se creó a partir de una mezcla de estilos con los que Picasso había estado experimentando durante ese período. Fue un momento importante en su carrera, ya que lo ayudó a abrirse paso hacia la abstracción y el arte moderno.
Esta pintura también es significativa porque cuando se estrenó en público, sorprendió a muchas personas y causó muchas reacciones negativas porque no estaban acostumbrados a tales pinturas en ese momento.
5. El viejo guitarrista ciego
Picasso pasó la mayor parte de su vida en la pobreza extrema, y se afirma que durante este período desarrolló una fuerte simpatía por los pobres y oprimidos del mundo.
El Viejo Guitarrista fue creado en 1903, durante un período en el que se creía que Picasso estaba casi en bancarrota mientras vivía en Barcelona.
Esta vez ha sido apodada su fase ‘Azul’, cuando pintó casi todos los lienzos en una paleta monocromática de azul, un tono que coincidía con el tipo de tema que abordaría.
Picasso creó esta pieza poco después de que su amigo cercano Casagemas se suicidara como resultado de una larga batalla con la enfermedad mental y la desesperación.
El artista dedicó esta pieza, así como otras durante este período de tiempo, a concentrarse en personas que a menudo están oprimidas y agobiadas por las preocupaciones y problemas que tan a menudo consumen la humanidad.
Debido a que toda la obra está realizada en un color azul profundo, la pintura transmite una fuerte sensación de desolación al espectador.
El hombre de la imagen sostiene una guitarra y parece estar tocando una canción triste, con el rostro lleno de agonía y desesperación.
El excelente uso que hace Picasso del color azul, según han observado críticos de arte e historiadores, impone acertadamente el sentimiento de melancolía que tanta gente experimenta en esta pieza.
La guitarra es una ruptura en las formas bidimensionales, casi planas y apagadas del azul monocromático, mientras que el músico parece abatido y triste.
Las radiografías posteriores de la obra de arte mostraron la presencia de una figura fantasmal (una dama) que Picasso había comenzado a pintar, pero luego cambió de opinión y decidió pintar sobre ella.
6. Auto retrato 1901
Picasso era bastante joven en este autorretrato y solo tenía veinte años en ese momento, sin embargo, parece mucho mayor en esta imagen. Su rostro se ve demacrado y como resultado del duro invierno en París viviendo una vida muy oprimida.
Recién había llegado a París y aún no había establecido amistades significativas cuando creó esta pieza poco después del suicidio de su amigo Carlos Casagemas.
La muerte lo golpeó con fuerza y afectó gravemente su salud mental.
Este autorretrato no es el primero de Picasso, pero es una de las primeras obras del Período Azul.
7. Chicas ante el espejo
Pablo Picasso produjo Chica ante el espejo en 1932 como pintura al óleo sobre lienzo. La imagen muestra a la amante y musa de Picasso, Marie-Thérèse Walter, de pie frente a un espejo, mirando su reflejo.
Durante la década de 1930, Picasso pintó a Marie-Thérèse muchas veces. Sus fotos de ella de 1932 fueron la primera exhibición pública de su romance secreto durante su matrimonio con Olga Khokhlova.
La carrera creativa de Picasso tomó forma en el año 1932. Había cumplido 50 años en este momento de su vida y se había establecido como un artista importante.
Picasso fue el curador de una muestra retrospectiva de su trabajo en la Galerie Georges Petit en 1932, lo que fue un hecho poco común para un artista, y aún más inesperado, Picasso se hizo cargo de la curaduría.
Girl before a Mirror es una fotografía de una dama mirándose en un espejo, revelando un reflejo más oscuro de sí misma. El rostro de la mujer se ha dividido en dos partes, una de las cuales está pintada en un color lila pacífico y la otra en un tono amarillo vibrante.
El reflejo muestra al sujeto bajo una luz diferente, haciéndola parecer mayor y con el rostro hundido, quizás como símbolo de su muerte.
8. La vida
La Vie (La vida) es un óleo sobre lienzo que se completó en mayo de 1903 en Barcelona.
Generalmente se considera como el pico del Período Azul de Picasso. Sin embargo, en ese momento era un artista desconocido de 22 años que aún no había tenido su impacto en el mundo del arte.
La interpretación de la misteriosa composición ha suscitado un considerable debate. Una cosa está clara es que se trata del homenaje de Picasso a su amigo íntimo Carlos Casagemas, que había se suicidó.
La preocupación de Picasso por la vida y la muerte está completamente representada en su humor sombrío.
9. La mujer que llora
Pablo Picasso era conocido por sus extrañas interpretaciones de los diferentes personajes que pintaba. Más adelante en su vida, comenzó a pintar en tonos más vibrantes para transmitir la importancia emocional del tema.
La mujer que llora es un óleo sobre lienzo de Pablo Picasso que se completó en 1937 en Francia. Dora Maar, la amante y musa de Picasso, se muestra en la imagen.
La vista de perfil característica de Picasso del rostro de la mujer aparece en esta pieza, pero otros detalles menores apuntan a un mayor grado de perspectiva para que el espectador lo perciba.
La pieza se centra principalmente en el rostro de la mujer, que se muestra en una variedad de colores y formas geométricas que chocan. El uso de Picasso de sutiles tonalidades azules en su rostro debajo de los ojos, que parece sugerir que su rostro está cubierto de lágrimas, enfatiza aún más su alto grado de dolor emocional.
“Mujer que llora” muestra a una mujer angustiada que llora y se lleva un pañuelo a la cara para recoger sus abundantes lágrimas.
Esta imagen universal del sufrimiento está pintada a la manera aplanada del cubismo analítico temprano de Picasso, que se distingue por el uso de piezas angulares y superpuestas del rostro del sujeto, como si estuviera pintado desde muchas perspectivas al mismo tiempo.
10. Retrato de Gertrude Stein
Retrato de Gertrude Stein es un retrato al óleo sobre lienzo de la escritora y coleccionista de arte estadounidense Gertrude Stein. Picasso comenzó a trabajar en la pintura en 1905, pero no se completó hasta el año siguiente.
Se considera una de las pinturas más importantes de Picasso de su Período Rosa.
La imagen ejemplifica las distorsiones geométricas y los experimentos formales que llegarían a definir su obra tras la llegada del cubismo.
La obra de arte de Picasso desafió las convenciones convencionales del retrato al retratar al sujeto como una figura enorme y descomunal mirando fijamente a través de la imagen en lugar de al espectador. Su figura es redonda y se inclina hacia adelante, con los brazos apoyados pesadamente en las rodillas.
Este cambio estilístico resultó de enorme importancia histórica, ya que indicaba el camino que seguiría Picasso paso a paso hasta la creación del cubismo.