Movimientos artísticos notables: Recorriendo la historia del arte en 2021

Los movimientos artísticos se describen como un estilo o forma de hacer arte que abarca un período que es sutil o claramente diferente de otro movimiento artístico. El estilo o método cambia de forma diferente. Estos estilos se utilizan para describir el arte practicado por un grupo de artistas dentro del mismo período o región.

Algunos movimientos artísticos que han sido influenciados por otro movimiento artístico muestran similitudes evidentes, mientras que otros parecen desafiar sus similares debido a limitaciones.

La historia del arte ha experimentado muchos cambios. Se han producido numerosos estilos y movimientos a lo largo de la historia del arte. Los cambios ocurren cuando los artistas se sienten agotados con los estilos tradicionales y eligen probar algo nuevo. Un movimiento artístico es un período en el que el arte convencional tenía estilos similares, como el movimiento artístico impresionista. Algunos períodos de tiempo se han superpuesto a medida que el mundo del arte se acostumbró a nuevos estilos.

El trasfondo histórico del arte es inmenso, las primeras pinturas rupestres son anteriores a la escritura en casi 27.000 años. Es interesante examinar el contraste entre los movimientos artísticos y estudiar los distintos períodos del arte.

Edad de Piedra (30.000 a.C.-3000 a.C.)

El arte de la Edad de Piedra representa los principales logros de la imaginación humana, anteriores a la invención de la escritura. Las obras de arte de las cavernas, las diosas de la fertilidad y las estructuras megalíticas son algunas de las características de la Edad de Piedra y se han dividido en tres períodos distintos: Paleolítico, Mesolítico y Neolítico. Esta fue la primera vez que la humanidad comenzó a obtener resultados sólidos de la autoarticulación que no cumplían ninguna función para la supervivencia. La parte de diagnóstico del período Paleolítico aparece en dos formas principales: pequeñas esculturas y enormes pinturas y grabados en la pared de la cueva. Las pequeñas esculturas están hechas de arcilla, hueso, marfil o piedra y consisten en figuras simples que representan animales y humanos. Las figurillas de Venus más antiguas conocidas son las más indicativas de esta época.

En la era mesolítica, prevalecieron las pinturas artísticas de las cavernas y el arte portátil, como estatuillas, estatuillas y abalorios, con trabajos decorativos con figuras que también se ven en algunos artículos utilitarios. Las figurillas fueron talladas en piedra blanda, hueso, marfil o formadas de arcilla y cocidas. Los accesorios y adornos personales se hicieron con conchas y huesos. Desde el período Neolítico, hay evidencia de cerámica temprana, así como escultura, arquitectura y la construcción de megalitos. El arte rupestre temprano también apareció por primera vez en esta época.

Mesopotámico (3500 a.C.-539 a.C.)

El antiguo arte de Mesopotamia incorpora el de Sumeria, Akkad, Babilonia y Asiria, hasta el siglo VI a. C. El énfasis principal estuvo en diferentes formas sólidas de escultura en piedra y arcilla; La pintura se utilizó principalmente para esquemas decorativos geométricos y basados ​​en plantas. Las esculturas mesopotámicas incluyen una gran cantidad de arte cerámico, variedades de esculturas de piedra, en forma de estatuas y relieves, estelas, mosaicos y arquitecturas monumentales. El arte guerrero y la narración en relieve de piedra fueron algunas de las características comunes.

Egipcio (3100 a. C.-30 a. C.)

Todo el arte egipcio se basa en un equilibrio inmaculado porque refleja el mundo ideal de Dios. De la misma manera que estos teólogos dieron grandes bendiciones a la humanidad, la obra de arte fue concebida y creada para brindar uso. Independientemente de lo hermosa que haya sido una estatua, su propósito era servir como hogar para un espíritu o un dios. Gran parte del arte superviviente se origina en tumbas, pirámides y monumentos, lo que ha dado más información sobre la creencia de los egipcios en el más allá. El arte de la pared no fue creado para que las personas lo vieran, sin embargo, tenía un propósito en el más allá y los rituales. El arte egipcio antiguo incluía pinturas, esculturas en madera, piedra y cerámica, dibujos en papiro, loza, decoración, marfiles y otros medios artísticos.

Griego y helenístico (850 a.C.-31 a.C.)

El movimiento artístico de este período de tiempo se expresa principalmente a través de la escultura, que se representó con más habilidad en detalle, anatomía, articulación y movimiento. Éstas eran las características comúnmente encontradas: idealismo griego; equilibrio, proporciones perfectas; órdenes arquitectónicos: dórico, jónico y corintio.

Romano (500 a. C.-476 d. C.)

Este período se basó en el realismo romano; práctico y con los pies en la tierra; el arco. Los escultores y pintores romanos crearon solo una medida restringida de obras de arte originales excepcionales, prefiriendo en cambio reciclar diseños del arte griego, que veneraban como muy superior al suyo. De hecho, muchos tipos de artes practicadas por los romanos, incluidas las esculturas (estatuas de bronce y mármol), la pintura de bellas artes (murales, retratos, pintura de jarrones) y el arte decorativo (trabajos en metal, mosaicos, joyas, talla de marfil) ya habían sido dominados por Ancient Artistas griegos. Por supuesto, es incorrecto decir que el arte romano carecía de innovación: su arquitectura urbana fue pionera, como su pintura de paisajes y bustos de retratos.

Indio, chino y japonés (653 a.C.-1900 d.C.)

Arte Indio

Los movimientos artísticos de la India, China y Japón están fuertemente influenciados por la cultura y el estilo de vida de las personas. El arte indio se puede clasificar en períodos específicos que reflejan desarrollos religiosos, políticos y culturales particulares. El bronce y la piedra se utilizaron con mayor frecuencia para representar episodios de la vida y las enseñanzas de Buda. Rangoli es una forma de decoración de pintura con arena que utiliza finamente molido todo tipo de polvo de color. Taj Mahal, conocido como una de las Siete Maravillas del Mundo, es una de las obras de arte y arquitectura más importantes de la India.

Arte chino

El arte chino es la forma de arte que ha sido influenciada por grandes filósofos, maestros, figuras religiosas y líderes políticos. Las primeras formas de arte chino incluyen cerámica, jade y vasijas rituales. Luego se encontró el material de porcelana y se introdujo en la cultura. Bajo el primer emperador de la dinastía Qin, se hicieron 7000 figuras de terracota de tamaño real de guerreros y caballos. Las pinturas de estilo tradicional utilizan la misma técnica que la caligrafía y se realizan con un pincel mojado en tinta negra o de color.

Arte japonés

El arte japonés utilizó una amplia gama de estilos y medios artísticos, incluida la cerámica antigua, la escultura en madera y bronce, la pintura con tinta sobre seda y papel, y quizás lo que Japón es famoso en la actualidad, el manga y los dibujos animados.

Bizantino e islámico (476 d.C.-1453 d.C.)

Los cuatro componentes básicos del arte islámico incluyen caligrafía, patrones vegetales, patrones geométricos y representación de figuras. El estilo artístico varió dentro de las dinastías, pero todos tienden a centrarse en el embellecimiento de la superficie. La arquitectura islámica se puede definir como la construcción de tradiciones de las poblaciones musulmanas del Medio Oriente. En el período bizantino, la decoración interior de un edificio aparecía regularmente como pinturas de mosaico. Los mosaicos se están descubriendo gradualmente, pero solo los de los niveles superiores de la galería.

Edad Media (500 d.C.-1400 d.C.)

La Edad Media fue la era del arte celta y gótico, que vio el surgimiento de intrincadas catedrales y estructuras góticas como Notre Dame. Fue una era oscura, hogar de la Peste Negra y las cruzadas, todo lo cual se reflejó en la naturaleza oscura, amenazadora y religiosa de su arte. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y las figuras se vuelven más animadas en pose y expresión facial. El arte celta tiene diseños intrincados y es abstracto, con detalles muy precisos. Durante el carolingio, el renacimiento se representó en muchas formas de arte como manuscritos, esculturas y artefactos religiosos.

Renacimiento temprano y alto (1400-1550)

Alejándose de la iconografía de los períodos gótico y románico anteriores, los especialistas florentinos estimularon un rejuvenecimiento de las glorias del arte clásico en línea con una era contemporánea emergente más humanista e individualista. Los artistas del Renacimiento temprano comenzaron a crear trabajos escalados por el conocimiento de la arquitectura, la filosofía, la teología, las matemáticas, la ciencia y el diseño.

El alto renacimiento es una era en la que tanto la pintura como la escultura implementaron las creencias del humanismo clásico, y cuando se perfeccionaron los procedimientos pictóricos de perspectiva lineal, sombreado y otros métodos de realismo. El Renacimiento se extendió hacia el norte hasta Francia, los Países Bajos, Polonia, Alemania e Inglaterra.

Manierismo (1527-1580)

El manierismo se desarrolló como un estilo que es retratado por la artificialidad y el arte, por un completo cultivo consciente de la elegancia y la especialización. facilidad, y por una extravagancia sofisticada en lo extraño. El manierismo es un arte que desafía las reglas y el artificio sobre la naturaleza.

Barroco (1600-1750)

El estilo barroco se caracteriza por un movimiento exagerado y detalles claros que se utilizan para ofrecer dramatización, exuberancia y grandeza en escultura, pintura, arquitectura, literatura, danza y música. La iconografía barroca fue inmediata, evidente y dramática, con la intención de apelar sobre todo a los sentidos y los sentimientos. Este arte fue un arma en las guerras religiosas.

Neoclásico (1750-1850)

La arquitectura neoclásica depende de los principios de simplicidad, simetría y aritmética, que se consideraban virtudes de las artes en la antigua Grecia y Roma. El arte neoclásico surgió en contra de los estilos excesivamente decorativos y llamativos del rococó y el barroco que estaban infundiendo a la sociedad una cultura del arte de la vanidad basada en la excentricidad y la vanidad personal.

Romanticismo (1780-1850)

Elogió la imaginación y los instintos individuales en la búsqueda duradera de los derechos y la libertad individuales. Sus ideales de los poderes inventivos y subjetivos del artista alimentaron los movimientos de vanguardia hasta bien entrado el siglo XX. Los artistas comenzaron a explorar diferentes estados emocionales y psicológicos, así como estados de ánimo. En algunos países, los pintores románticos centraron su atención en la naturaleza. Las obras basadas en la observación cercana del paisaje, el cielo y la atmósfera elevaron la pintura de paisajes a un nivel nuevo y más respetuoso.

Realismo (1848-1900)

Concebido en un período caótico marcado por la revolución y el cambio social, el realismo sustituyó las imágenes idealistas y los conceptos literarios del arte tradicional con ocasiones de la vida real. El realismo se considera ampliamente el comienzo del arte moderno debido a su convicción de que la vida cotidiana y el mundo moderno eran temas apropiados para el arte. Se refería a cómo se estructuraba la vida social, económica, política y culturalmente a mediados del siglo XIX. Esto llevó a representaciones desagradables e inquebrantables de los momentos desagradables de la vida y al uso de paletas oscuras y terrosas que confrontaron los ideales últimos de belleza del gran arte.

Impresionismo (1864-1885)

Los impresionistas esperaban ser pintores de la realidad: alejarse de las representaciones de formas idealizadas y simetría inmaculada, y enfocarse en el mundo a través de sus ojos, imperfectos en una miríada de formas. Trataron de capturar el efecto sensorial momentáneo de una escena: la impresión que los objetos causan en el ojo en un momento de corta duración.

Post impresionismo (1885-1910)

La era del posimpresionismo encierra una amplia gama de estilos artísticos creativos que comparten la inspiración común de responder a la optimización del movimiento impresionista. Rechazando el interés en representar el mundo observado, más bien miraron sus recuerdos y emociones para conectarse con el espectador en un nivel más profundo. Los postimpresionistas se concentraron en formas y patrones abstractos en la aplicación de pintura a la superficie del lienzo.

Fauvismo y expresionismo (1900-1935)

El fauvismo y el expresionismo fueron dos de los primeros movimientos artísticos de vanguardia, siendo el fauvismo el primero. Esta era del fauvismo influyó mucho en el expresionismo alemán, y ambos son conocidos por sus colores y técnicas atrevidos. Estos movimientos se centraron en la expresión del sentimiento a través del color intenso. Los fauvistas trabajaron esto a través de colores contrapuestos, formas distorsionadas, perspectiva alienígena, pinceladas ásperas y patrones lineales planos, mientras que los expresionistas tomaron estas ideas y trabajaron en colores violentos con angustia emocional, abstrajeron su forma e intentaron expresar ideas modernas y contemporáneas.

Cubismo, futurismo, suprematismo, constructivismo, De Stijl (1905-1920)

Estos fueron experimentos artísticos de antes y después de la Primera Guerra Mundial. Las obras de arte cubistas pasan por alto las tradiciones del dibujo en perspectiva y le muestran numerosos puntos de vista sobre un tema a la vez, mientras que la visión futurista glorifica la industrialización, la tecnología y el transporte junto con la velocidad, la conmoción. y energía de la vida urbana. El suprematismo era un estilo geométrico de pintura abstracta derivado de elementos del cubismo y el futurismo. El constructivismo utilizó el mismo lenguaje geométrico pero abandonó su visión mística en favor de sus ideales. De Stijl era un estilo holandés de abstracción pura creado por Piet Mondrian.

Dadá y surrealismo (1917-1950)

Universal en alcance y diverso en rendimiento artístico, tanto el dadaísmo como el surrealismo fueron movimientos estéticos, literarios e intelectuales de mediados del siglo XX que fueron fundamentales para caracterizar el modernismo. El dadaísmo buscó mostrar lo absurdo de los valores y las actividades de la sociedad desarrollando la ridiculez en sus imágenes, mientras que el surrealismo intentó resolver el estado previamente contradictorio del sueño y la realidad.

Expresionismo abstracto (1940-1950) y arte pop (1960)

Fueron movimientos artísticos posteriores a la Segunda Guerra Mundial que enfatizan la abstracción pura y la expresión sin formas. El expresionismo abstracto se centra en el medio en sí mismo y existe sin representación del sujeto. Estas pinturas no intentan capturar la realidad del mundo físico. Sin embargo, el arte pop suele tener un tema muy claro en sus obras. El arte pop fue una reacción al expresionismo abstracto.

Conclusión

Los movimientos artísticos a lo largo de la historia del arte occidental han ofrecido una amplia gama de estilos, técnicas y medios diversos y atractivos en todo el mundo. Cada movimiento arroja luz sobre pinturas distintivas, esculturas, logros arquitectónicos y otras obras definitorias. Comprender la línea de tiempo de la historia del arte y cómo cada período ha impactado los movimientos posteriores es fundamental para construir una colección coherente y reflexiva.